東京に暮らす兄オスカーは、妹リンダを養うためにドラッグの売人をしている。ある夜、警察の捜査に遭い撃たれてしまったオスカーの魂は、現世に留まり東京の街をさまよい始める。幼い頃に両親を事故で失った2人の過去、離れ離れになっても断ち切れなかった絆。走馬灯のように蘇る記憶をたどりながら、魂はやがて「死」と「生」が交わる場所へと向かっていく。

見どころ

前人未到の一人称視点——魂そのものになる没入感

冒頭はオスカーの一人称視点（POV）、死後は魂が東京の街を俯瞰しながら浮遊する視点へと移行する。部屋の中を漂い、ネオン輝く夜の東京を滑空するカメラは、止まることなく動き続ける。どこからどう撮影しているのか判別できない映像の連続に、鑑賞者はいつしかオスカーとして世界を見ている感覚に陥っていく。

この一人称POVは1947年のフィルム・ノワール『湖中の女（Lady in the Lake）』から着想を得ており、カメラはオスカーが瞬きするたびに実際に「まばたき」まで再現している。一人称パートの撮影は極めて精緻で、キャストとスタッフが交代でオスカーの「手」を演じた。鏡の前で顔を洗うシーンに映る手はカメラ・アシスタントのものだという。

もうひとつ特異なのは、厳密な「目の中」からの視点ではなく、オスカーの後頭部から約30センチ後方にカメラを置くという独自の解釈だ。これにより観客はオスカーと同じ空間に立ちながら、死後は霊魂として彼の後を追うような視覚的体験を得る。

『チベット死者の書』が生んだ輪廻の映像詩

ギャスパー・ノエは本作を長年かけて開発した。プロジェクトはチベット仏教の経典『バルド・トドゥル（チベット死者の書）』に深く影響を受けており、死後に意識が辿る各段階を描写した同書の世界観を映像化することが核となっている。

撮影監督ブノワ・ドゥビエが手がけた映像は、高彩度の色彩・強烈なネオン光・ストロボ効果を駆使し、催眠的かつイマーシブな視覚的アイデンティティを生み出している。音響面も没入感の核を担っており、呼吸音・心臓の鼓動・環境音が主観的な感覚体験を模倣するよう設計され、音楽は叙情的な物語進行ではなく心理的・感情的な状態を喚起するために機能する。

実験映像と劇映画の境界を軽々と越えていくこの作品の映像言語は、ノエが自ら言うように「物語を語るためではなく、体験を生きるために映画を作る」という思想の、もっとも純粋な結晶と言えるだろう。

東京という「幻想」——ネオンが溶かす現実と意識

舞台に東京を選んだのは偶然ではない。日本の厳しい薬物規制法が警察の行動をリアルに見せる文脈的説得力を持ち、かつノエが「ドラッギーなムード」と評したネオンの豊かさが意識の混濁というテーマを増幅させるからだ。夜の歌舞伎町や雑居ビル群が、現実とも幻覚ともつかない空間として映し出される。外国人監督が切り取った幻想的な「TOKYO」がここにある。

制作背景

構想の起源——10代の少年が見た「死後の映像」

本作のビジョンはノエが10代の頃に構想したものだったが、制作費が高額すぎて資金調達が叶わず、長らく夢のプロジェクトに留まっていた。それを実現させたのが、前作『Irréversible（アレックス）』（2002年）の商業的成功だった。

より具体的な着想の瞬間として、ノエは23歳のときにマジックマッシュルームを摂取しながらロバート・モンゴメリー監督の一人称ミステリー映画『湖中の女』（1947年）を鑑賞した体験を挙げており、これが文字通り主人公の目を通して世界を映す映画を作るというアイデアにつながったと証言している。

また、スタンリー・キューブリックの『2001年宇宙の旅』（1968年）における「スターゲート」シークエンスも重要なインスピレーション源として挙げられている。

撮影——ノエ自身がクレーンを操作した

魂が東京上空を漂う浮遊シーンの撮影は重大な技術的挑戦だった。ノエは撮影監督ブノワ・ドゥビエ、キー・グリップのアキラ・カンノと独自の協力体制を構築し、ノエ自身がクレーンを操作した。彼は翌日のセットにクレーンをどう配置するか、毎晩夢で見るほど没頭していたと語っている。

ドゥビエはノエとの協働スタイルについて、「事前に多くのことを準備せず、撮影中の予期しない状況や不完全さを活かす」姿勢を重視し、自発性を大切にしていると語っている。

キャストは大部分が非専業俳優や無名の俳優で構成されており、これが作品の生々しいナチュラルなトーンに貢献している。脚本はノエの長年のパートナーであるルシール・アジャラック=アズィラロヴィッチとの共同執筆だ。

音楽——ダフト・パンクとの幻の共作

サウンドトラックはミュージック・コンクレート、実験音楽、電子音響音楽をブレンドした独特のスコアで、ノエは前作『アレックス』でも組んだトーマ・バンガルテル（ダフト・パンクの一員）と再びコラボレーションした。

当初ノエはバンガルテルに正式なスコアの作曲を依頼したが、ディズニーがすでにダフト・パンクを『トロン：レガシー』のサウンドトラックに起用していたため実現しなかった。かわりにバンガルテルはドローンやアンビエント・サウンドのパレットを提供し、ノエがそれを60〜70年代の電子音楽と実験音楽と対位法的に組み合わせた。

バージョンと上映歴

本作はフランス・ドイツ・イタリアを中心とする実験的ドラマ映画として2009年に完成し、2009年カンヌ国際映画祭の公式コンペティション部門に選出された。カンヌ出品時の尺は163分で、国際公開版は143分に短縮されている。カンヌでの初上映は賛否が真っ二つに割れ、その形式的な野心と感覚的な迫力を称える声と、過剰さや長さや挑発性への批判が拮抗した。

プロダクションはフランス・ドイツ・イタリアの共同制作で、Fidélité Films、Wild Bunch、BUF Compagnie、Essential Filmproduktion、BIM Distribuzioneなど複数の国際的な制作会社が参加している。

感想

とんでもないものを観てしまった。

そう思いながらエンドロールを眺めていた。いや、正確には「エンドロールに辿り着いた」という感覚に近い。143分間、ずっと浮遊していたから。

輪廻転生をここまで鮮明に、これほど鮮烈に映像化した作品は、もう出てこないのではないかと思う。それを可能にしているのが、どこからどう撮影しているのかまったくわからない驚異的なカメラワークだ。CGが混ぜられているとは思う。それにしても、凄すぎる。

タイトルについて、観ながらずっと考えていた。void——「無」へ向かう、帰る。死の表現。でも同時に、voidは「空間」や「隙間」を意味する言葉でもある。女性の膣、子宮、卵巣の比喩ではないか。つまりこのタイトルは、死と生、その両方を同時に指しているのではないか。そう思ったとき、この映画が問いかけていることの輪郭がぼんやり見えてきた気がした。

死が無であるとして、死と生が同じものを意味しているとしたら——この世は虚無だということだろうか。画面にはあらゆるものが描かれる。記憶、愛情、欲望、悲惨。それでもどこか、虚無感が常に漂っている。それがこの映画全体のトーンであり、観終えた後も自分の中に残り続けるものだ。

冒頭のクレジット表示について触れずにはいられない。ノエの別作品『クライマックス』と同じく、先にクレジットを出してしまう構成。しかもその表示の仕方自体が表現になっている。めちゃくちゃかっこいい。何かが始まるワクワク感。冒頭にクレジットを置くことで、絶頂で作品を終わらせることができる。この手法、すべての映画に取り入れてもいいと思うのだが、やっている監督をほとんど見たことがない。

そして、東京。幻想的な「TOKYO」として描いてくれたことへの、個人的な感謝がある。ネオンが滲み、意識が溶けていく夜の街。外国人監督が切り取るからこそ見える、この街の異様な美しさがあった。

他の人の見方

「オープニングが過去一かっこいい」とカメラワークの独創性を絶賛する声がある一方、「強烈な吐き気」「カメラワークで気持ち悪くなる」と身体的影響を訴えるレビューも複数あり、「体調不良のときに見ないほうがいい」という警告までついている異色の作品。

映像体験としては唯一無二だが、143分の長尺と激しいストロボ表現で体力を消耗するという声がある。また「死生観や輪廻転生への興味がある人には刺さるが、物語として楽しみたい人には向かないかもしれない」との評価もある。一方でカンヌ映画祭のコンペティション部門に出品されたことからも映画界での評価は高く、ギャスパー・ノエ公式サイトでも「境界を押し広げた狂気のプロジェクト——死、輪廻転生、胎内のフラッシュバック、サイケデリックなビジョン……比類なきセンサリー・トリップ」と位置づけられている。「映画という媒体でしかできない体験を突き詰めた作品」として語り継がれている。

よくある質問

『チベット死者の書』との関係は？

『バルド・トドゥル（チベット死者の書）』は8世紀に遡るチベット仏教の重要テキストで、身体が息絶えた後に人間の意識が辿る冥界の段階を描写したものだ。本作はこの経典から着想を得た幻覚的な旅として展開し、死と再生のあいだにある過渡的な状態を映像化している。物語上でも、登場人物のアレックスがオスカーにこの書を読むよう勧めるシーンが序盤に登場し、テーマを観客に直接提示する構造になっている。

タイトル「Enter the Void」にはどんな意味がありますか？

“void”は英語で「虚無」「空白」「無効」を意味する。同時に「空間」「隙間」という意味も持ち、生と死、存在と消滅が溶け合う作品世界そのものを指している。劇中にはオスカーが「The Void」というクラブに入店して命を落とすという二重の意味構造も用意されており、タイトルが文字通り・象徴的両方の意味で機能している。

監督ギャスパー・ノエの他の代表作は？

本作はギャスパー・ノエの長編第3作にあたる。衝撃的なレイプ＆リベンジ作品として物議を醸した第2作『Irréversible（アレックス）』（2002年）、そして同様に過激な内容で知られるデビュー長編『カルネ』から続く『セウル・コントル・トゥス（孤独な男の怒り）』（1998年）によって「極限まで突き詰めるアーティスト」としての名声を確立した。その後は官能と陶酔を極めた『LOVE【3D】』（2015年）、集団的な恍惚と崩壊を描いた『クライマックス』（2018年）、老いと死を凝視した『VORTEX』（2021年）と、挑発性と映像実験を突き詰める作品を発表し続けている。

主演俳優ナサニエル・ブラウンとパス・デ・ラ・ウエルタについて教えてください。

本作のキャストは大部分が非専業俳優や無名の俳優で構成されており、それが作品の生々しくナチュラルなトーンに寄与している。オスカー役のナサニエル・ブラウンは本作が映画デビューに近い作品で、特異な撮影手法ゆえに顔がほとんど映らないという役を担っている。リンダ役のパス・デ・ラ・ウエルタは本作と同時期に米HBOドラマ『Boardwalk Empire（ボードウォーク・エンパイア）』に出演し、国際的な注目を集めた。

「ディレクターズカット完全版」との違いは？

日本の劇場公開版および一般流通している国際版の上映時間は143分。一方でカンヌ映画祭に出品された長尺版は161分存在し、国内ではディレクターズカット完全版（約155分）もBlu-rayでリリースされている。いずれも物語の結末は同一だが、長尺版では東京の夜の俯瞰や記憶のフラッシュバックがより長く展開される。

こんな人に

・映像表現そのものに興奮できる人。カメラワークひとつで世界が変わると知っている人
・死生観・輪廻転生・意識といったテーマの考察に興味がある人
・ギャスパー・ノエ（『クライマックス』『アレックス』）の作品世界が好きな人
・東京を舞台にした海外映画、特に外国人監督が切り取った日本に興味がある人
・「難しい映画は敷居が高い」と感じている人でも、圧倒的な映像体験として身体ごと引き込まれる作品なので、理屈抜きに観始められる

『エンター・ザ・ボイド』考察・感想｜死と生、voidに漂う魂の映像詩（ネタバレなし）

視聴方法

あらすじ